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Beyoncé aborda la dimensión racial de los géneros musicales en su nuevo álbum, planteando preguntas y reflexiones sobre este tema.

today5 de abril de 2024 18

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Beyoncé aborda la dimensión racial de los géneros musicales en su nuevo álbum, planteando preguntas y reflexiones sobre este tema.

Es importante señalar que hasta la fecha de corte de mi conocimiento en enero de 2022, Beyoncé no ha lanzado un álbum llamado “Cowboy Carter”, ni ha lanzado sencillos titulados “Texas Hold’Em” o “16 Carriages”. Es posible que esta información sea ficticia o parte de rumores no confirmados.

Sin embargo, Beyoncé es conocida por sorprender a su audiencia con álbumes innovadores y exitosos, y es plausible que cualquier proyecto futuro que lance pueda generar un gran impacto en la industria musical.

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Cowboy Carter y los códigos visuales que lo rodean claramente indican que el segundo acto de la trilogía que comenzó en 2022 con Renaissance es una reinterpretación de la música del oeste, un estilo a menudo relacionado con la cultura estadounidense tradicional, que puede ser percibida como conservadora y representativa de ciertos valores.

Las respuestas ante este lanzamiento ponen de manifiesto cómo los géneros musicales en Estados Unidos están intrínsecamente ligados a aspectos raciales. Esto se evidencia en el hecho de que Beyoncé sea la única artista negra que ha llegado a encabezar la lista Hot Country 100 de la revista Billboard.

La llegada de estos sencillos no ha estado exenta de controversia. Inmediatamente después de su lanzamiento, los usuarios de X (antigua Twitter) expresaron su descontento porque las estaciones de radio especializadas en música del oeste se negaban a difundirlos, a pesar de las solicitudes de los oyentes, y varias plataformas de streaming, blogs y revistas los etiquetaban como “pop”.

Aunque la distribuidora Sony corrigió rápidamente reemplazando “pop” por “country” como el género principal de estas canciones, la indecisión persistió el tiempo suficiente para generar malos recuerdos. La primera vez que Beyoncé incursionó en este género musical, con “Daddy Lessons” en el álbum Lemonade de 2016 (recordemos que creció en Texas, al igual que su padre), el comité de los Grammy se negó a permitir que la canción compitiera en la categoría country. Beyoncé ha confirmado que este rechazo inicial influyó en gran medida en el lanzamiento del álbum.

Pero sobre todo resurge el recuerdo del episodio de “Old-Town Road”.

El precedente de Lil Nas X
A fines de marzo de 2019, este tema de Lil Nas X alcanzó el puesto número 19 en la lista country de Billboard, antes de ser abruptamente eliminado. La revista explicó su decisión en un comunicado, argumentando que la canción no “poseía suficientes elementos de la música country contemporánea” para permanecer en la lista.

La justificación resultaba insatisfactoria. Desde los años 2000, el género ha sido fuertemente influenciado por el rap, tanto que el country-rap, o “hick hop”, ha llegado a las primeras posiciones de las listas y a los repertorios de estrellas como Blake Shelton o Jason Aldean.

Entonces, el rap no era el que estaba “entorpeciendo” musicalmente. El lanzamiento de una segunda versión de “Old Town Road”, en la que Lil Nas X colaboraba con el cantante country (y padre de Miley) Billy Ray Cyrus, ingresó sin problemas en las listas de radio del oeste, a pesar de que éstas suelen ser extremadamente resistentes a la innovación.

Esto sugiere que los raperos pueden llegar a las listas de música del oeste, siempre y cuando estén acompañados por un cantante blanco. El historiador Charles Hughes resumió la situación en Los Angeles Times: “Cuando la gente se queja de que la música del oeste se está volviendo pop, a menudo quieren decir que está siendo demasiado influenciada por la cultura negra”.

Los orígenes de la música del oeste
Esta afirmación puede parecer exagerada. Sin embargo, refleja los procesos que rodearon la creación de la música del oeste como género musical a principios del siglo XX. Estos procesos están vinculados inseparablemente con el establecimiento de la segregación musical entre, por un lado, los “registros de raza” que incluían música “negra” (blues, gospel y jazz, entre otros) y, por otro lado, lo que se convertiría en la música del oeste, entonces conocida como “música de montaña” o también “melodías antiguas” y presentada como música blanca.

Es importante entender que esto no era simplemente el statu quo, sino una construcción deliberada por parte de dos grupos: los folcloristas y la industria musical.

Los folcloristas buscaban rastros de tradiciones preservadas en lugares que consideraban remotos, como lo hicieron el estadounidense John Lomax y el inglés Cecil Sharp, este último consideraba que la música de los Apalaches había conservado mejor el espíritu de la raza anglosajona (léase “blanca”) que la Inglaterra industrial de finales del siglo XIX.

Por otro lado, la industria musical, después del inesperado éxito del disco Crazy Blues de Mamie Smith en 1920, se lanzó a conquistar al público negro, que en ese momento era predominantemente rural y que había sido ignorado hasta entonces por Tin Pan Alley, el grupo de productores y compositores musicales de Nueva York que dominaron la música popular estadounidense desde finales del siglo XIX hasta principios del XX.

En una época en la que los discos se utilizaban principalmente para impulsar las ventas de fonógrafos en tiendas de muebles segregadas, la industria musical creyó que aumentaría sus beneficios diseñando una oferta dirigida racialmente.

Los afroamericanos, gradualmente excluidos de la música country
Esto sólo ocurriría a costa de mucha manipulación. Los folcloristas se los imaginaban como una población protegida de la modernidad y su corrupción, pero lo cierto es que los músicos rurales del Sur, independientemente del color de su piel, tenían un repertorio muy amplio y a menudo tocaban juntos, incluyendo la música que estaba de moda en la época.

No importó. Al igual que los folcloristas, los empleados de las discográficas lo “amañaron” todo, grabando sólo aquello que parecía tradicional y correspondía al origen étnico de los artistas. Cuando la canción no encajaba, pero era demasiado buena para ser rechazada, se disfrazaba la procedencia de los cantantes dándoles seudónimos.

Poco a poco, los diferentes aspectos de la industria –imagen, letras, ensayos– excluyeron a los afroamericanos del mundo de la música country, consolidando una división racial arbitraria, a la que los músicos se amoldaron por necesidad económica. Continuó de diversas formas, más discretamente, después de la Segunda Guerra Mundial.

El lanzamiento de Cowboy Carter se burla de este componente racial del género, reivindicando el derecho a la música country de los artistas afroamericanos y su legitimidad para reclamar una identidad sureña, un movimiento asociado a la “hee haw agenda” –una onomatopeya que imita el sonido del burro y que se encuentra en muchas canciones country– de la que se puede encontrar un eco en el resurgimiento de la figura del vaquero negro y en recientes producciones culturales como la película Nope, de Jordan Peele.

Es un poco desalentador pensar que Beyoncé fue necesaria para abrir el panorama del country mainstream a artistas afrodescendientes, especialmente a mujeres afrodescendientes, quienes en el último mes han ganado visibilidad en las plataformas de streaming después de décadas de esfuerzo.

Es cierto que las cosas empezaron a cambiar bajo la influencia del movimiento Black Lives Matter, con iniciativas como la creación del Black Banjo Reclamation Project. También hubo un aumento en la conciencia tras el asesinato de George Floyd en 2020 y la pérdida de Charley Pride, una de las pocas estrellas negras del género, en ese mismo año.

En 2021, la periodista musical afroamericana y directora Holly G, conocida como la “disruptora de la música country”, lanzó el Black Opry, un sitio web dedicado a promover la música country negra. En noviembre pasado, el New York Times publicó un artículo sobre la nueva generación de artistas negros de folk y country, indicando un creciente interés en el tema.

Desmitificando la idea de que la música country es exclusivamente blanca, Beyoncé también se ha asegurado de colaborar con artistas destacados en el género, muchos de los cuales llevan años abogando por el reconocimiento de la diversidad en la música country.

Robert Randolph toca la guitarra hawaiana en “16 Carriages” y Rhiannon Giddens toca el banjo y la viola en “Texas Hold Em”.

Giddens, ganadora del Premio Pulitzer por la ópera “Omar” y reconocida con la prestigiosa beca Genius Grant de la Fundación MacArthur por su trabajo en la divulgación histórica, es una multiinstrumentista que se ha convertido en una figura clave en el movimiento de reivindicación de la música country negra, especialmente del banjo.

Este instrumento fue originado en el Caribe por africanos esclavizados. Cuando llegó a Estados Unidos, estaba claramente asociado con la cultura afroamericana y siguió siéndolo hasta mediados del siglo XIX, cuando los minstrels blancos comenzaron a usarlo para caricaturizar a los afroamericanos en los espectáculos de blackface.

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Desde entonces, el banjo se ha convertido en un símbolo del sur blanco, cargado con una historia dolorosa. La apropiación nuevamente del banjo por parte de Giddens es, en cierto modo, una forma de liberación: ella misma toca una réplica de un banjo de juglar, el cual se escucha al principio de “Texas Hold ‘Em”. Gracias a ella, muchos artistas negros como Kaia Kater, Jake Blount y Amythyst Kiah han vuelto a adoptar este instrumento, a pesar de los estereotipos asociados con él.

Aún queda por verse si el impacto de Beyoncé tendrá una influencia duradera en la popularidad de los artistas country afrodescendientes, colocándolos definitivamente en la corriente principal, y si esto resultará en reconocimientos musicales en un género con límites tan definidos.

Elsa Grassy, Maîtresse de conférences en estudios estadounidenses, Université de Strasbourg

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Puedes leer el artículo original aquí.

 

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Escrito por Veronica Gómez

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